Abraham Lincoln: o caçador de vampiros (2012)

Abraham Lincoln: vampire hunter, 2012. Dirigido por Timur Bekmambetov. Com Benjamin Walker, Dominic Cooper, Anthony Mackie e Mary Elizabeth Winsted.

Nota: 5.8

Abraham Lincoln, como consta na história americana, foi o 16º e mais importante presidente que já comandou o país. Acabou com a escravidão e teve de enfrentar uma gigantesca crise com a famosa e desastrosa Guerra Civil Americana. Como se não bastasse tantos feitos, o escritor Seth Grahme-Smith o transformou em um herói fictício em seu livro e rapidamente foi transportado para as telonas com produção de Tim Burton e direção de Timur Bekmambetov. Porém, essa mistura de história e ficção hi-tech é uma faca de dois gumes, e para o atual cinema, isso já é uma premissa não muito boa.

A trama desenvolve-se juntamente com a vida de Abraham Lincoln, que quando criança viu sua mãe ser mordida e, consequentemente morta por um vampiro. Com este rancor no coração, o já adulto Abe (Benjamin Walker) se vinga do assassino de sua mãe com ajuda de Henry Sturges (Dominic Cooper), que lhe ensina a arte de ser um caçador de chupadores de sangue. Quando percebe que somente com a força de seus golpes de machado não poderia extinguir a raça de amaldiçoados, ele entra para a política e se torna presidente, e durante a Guerra Civil, perceberá que os vampiros podem mudar o curso da história, cabe a ele impedir.

O roteiro segue a risca o livro e traz esta mistura de fatos reais com a cultura pop que domina a literatura (que já conta com a protagonista de Orgulho e Preconceito matando zumbis), e consequentemente o cinema. Mas a falta de nexo temporal é um dos principais problemas da obra, e no cinema tentou-se encobrir com ação, violência e sangue transbordando pela tela. Os motivos criados para que os vampiros entrassem na guerra são ainda mais estúpidos que a explicação para sua origem e suas fraquezas, que sem se esforçar muito o espectador começa a se confundir com outras mitologias.

Tim Burton, provavelmente, não pensou muito para preferir só ficar na produção e acompanhar de longe Bekmambetov na direção. O texto leva o filme a incessantes combates hiperviolentos, o que fez com que o diretor optasse pelos slow-motions, que antes da metade do longa já cansa os olhos e no final já é um recurso enfadonho e irritante. Ainda assim, as cenas são mal coreografadas e sem picos de tensão, já que não se desenvolve lutas mais incisivas.

Por mais que seja baleado pela miscelânea inteligível do filme, Benjamin Walker consegue dar vida a um Lincoln razoável, principalmente pelo seu posicionamento altivo e intrépido, se fosse em uma produção séria, talvez conseguisse um reconhecimento melhor. Se o protagonista não é bem construído, os coadjuvantes se mostram quase nulos, tendo destaque mediano apenas Sturges, como o mentor de Lincoln.

Se a ideia delirante de Grahme-Smith se limitasse a um período da vida do ex-presidente com certeza toda a bobagem seria mais fácil de ser tragada pelo público. Abraham Lincoln: o caçador de vampiros é um filme que exemplifica bem o momento da literatura pop e do cinema, que parece ter só olhos para ela. O que já começa a deixar nostálgico quem sempre assistiu roteiros bem elaborados, originais ou adaptados, se tornarem obras-primas. Sorte que temos Steven Spielberg que vai levar o presidente Lincoln, o "normal" que será vivido por Daniel Day Lewis, ao público que não conhece ele e a seus feitos. Estamos aguardando.

Os mercenários 2 (2012)

The expandables 2, 2012. Dirigido por Simon West. Com Sylvester Stallone, Jason Statham, Jean-Claude Van Damme, Bruce Willys, Arnold Schwarzenegger e Chuck Norris.

Nota: 6,4

Quando Sylvester Stallone resolveu juntar os maiores heróis dos filmes de ação das décadas de 80 e 90 em Os mercenários, em 2010, foi motivo de chacota geral. Tanto que alguns figurões do gênero deram de ombros. Mas Sly não se abateu, conseguiu juntar a maioria deles e fez um filme que, se não foi uma unanimidade, arrecadou bem mais do que investiu, e ganhou força para retornar às telonas muito mais violento, engraçado e, o melhor, com a turma completa.

Neste novo longa, Barney Ross (Stallone) e seu grupo são enviados para uma missão, a mando de Mr. Church (Bruce Willys), para resgatar um importante objeto em algum lugar da China. Porém, eles são vítimas de uma emboscada armada por Vilian (Jean-Claude Van Damme) e um de seus amigos é brutalmente assassinado pelo vilão. Com todo o arsenal que lhes é disponível, os mercenários partem para o leste europeu em busca de vingança, e contarão com a ajuda de outros intrépidos e inesquecíveis justiceiros.

Tudo bem que o roteiro feito por Stallone com a ajuda de Richard Wenk é frágil, repleto de clichês e com uma tentativa de apelo dramático pueril. Há, ainda, a inserção de um interesse romântico para Ross, a valentona Maggie Chan (Yu Nan), mas que não vingou. Entretanto, houve mais acertos em relação ao anterior. Desta vez, não houve uma tentativa de impor uma "ação séria", e sim uma maior valorização do lado cômico, que naturalmente surge quando faz-se uma paródia. As piadinhas pipocam a todo momento, principalmente relacionando cada ator com passagens de suas carreiras, que as tornam ainda mais engraçadas.

O bastão da direção desta vez ficou a cargo de Simon West, que tem bagagem em dirigir ações explosivas e frenéticas. A cada sequência, valoriza tudo que os atores podem oferecer. Se tivesse dado mais espaço às lutas corpo a corpo, como nos casos de Jet Li e Jason Statham, teria conseguido empolgar muito mais. Os excessivos tiroteios deixam o filme enfadonho, e só tem o "gelo quebrado" quando Chuck Norris dá o ar da graça.

Por falar nele, foi a grande surpresa do filme. Talvez seja o mais hiperbólico dentre todos que compõe o elenco, com sua cara de poucos amigos e os tiros ininterruptos, no melhor estilo Braddock. Outro que resolveu entrar na brincadeira foi Van Damme, que depois de se recusar a participar do primeiro filme, viu a chance de voltar ao estrelato. Arnold Schwarzenegger e Bruce Willys entram de vez no elenco, sendo que o primeiro dispara piadas sobre seu personagem mais famoso (o Exterminador) a todo o momento. O restante do bando cumpre bem seu papel (até Dolph Lundgren faz rir) e analisá-los em sua atuação não convém neste filme.

Os mercenários 2 é uma grande paródia do gênero que dominou o cinema por duas décadas e que anda meio em baixa. E para provar isso, quando Stallone diz "isto é uma peça de museu", a respeito de um velho avião, Schwarzenegger responde "somos todos peças de museu", se referindo a todo o elenco veterano do filme. Vai capturar os fãs de ação sedentos por explosões e tiros. Mas é provável também que agrade quem cresceu ou envelheceu assistindo todos eles acabarem com vilões de todos os tipos em filmes de qualidade duvidosa. São os eternos grandes heróis do gênero, e isso já vale pelo menos o ingresso.

Chicago (2002)

Chicago, 2002. Dirigido por Rob Marshall. Com Catherine Zeta-Jones, Renée Zellweger, Richard Gere, Queen Latifah e John C. Reilly.

Nota: 10

Grande vencedor do Oscar em 2002, este esfuziante musical que completa uma década, trouxe de volta o deslumbramento de um gênero grandioso que encantou muitas gerações

“Nesta cidade os assassinatos divertem as pessoas.” Partindo desta premissa, Rob Marshall criou uma obra genial perfeitamente fundida em comédia-musical. Chicago é um êxito de espetacular divertimento que retrata de forma única as atribulações pela corrida desenfreada pelos preciosos 15 minutos de uma fama instantânea que não se importa com as malfadadas origens da mesma. Aqui, a crítica social se desenvolve em números criativos e deslumbrantes pautados em atuações memoráveis.

“Com todo este jazz” – Catherine Zeta-Jones, Renée Zellweger e Richard Gere encabeçam um elenco formidável que além de interpretar, canta e dança impecavelmente. Tanto que foram indicados ao Oscar daquele ano. Zellweger era a estrela da vez, depois do megassucesso de O diário de Bridget Jones, ela decolou no papel de Roxie Hart, uma atrapalhada aspirante à vedete. O príncipe de Uma linda mulher se superou ao interpretar com tamanha veracidade o advogado canastrão Billy Flyn. E Zeta-Jones foi a grande estrela do filme, emprestando brilho e talento a Velma Kelly, em seu melhor desempenho de uma vedete afetada que depois de ser acusada de assassinato, só pensa em reconquistar a fama perdida. A personagem lhe rendeu o Oscar de melhor atriz coadjuvante. Um trio de protagonistas que soaram como música aos ouvidos da Academia. 

“Homem celofane” – o multitalentoso John C. Reilly figurinha tarimbada das grandes produções também engrossou o soberbo elenco do filme. Como Amos Hart, o marido traído que carrega o amor no nome personificou a imagem humana muitas vezes deixada para trás em nome da fama. O ator deu um show à parte, especialmente em seu solitário número musical.

“Ilusionismo” – o tema central do filme é uma enorme cadeia de acontecimentos que leva a fama ilusória, ou seja, tudo que vem fácil vai fácil. As personagens se engalfinham o tempo todo procurando o topo desta cruel cadeia alimentar chamado show buziness. Suas palavras e ações são alimentadas por cada momento que passa cada uma delas em sequencias memoráveis.   

“Celebridade que todos conhecem por aí” – capas de revistas, modelo de beleza, anúncios nos jornais, comercialização da imagem. As estrelas Roxie e Velma, cada qual a seu devido tempo, eram os rostos que todos conheciam na cidade desfrutando dos benefícios que esta posição poderia ofertar. Mesmo estando atrás das grades, o que mais importava eram as luzes de néon em torno de seus respectivos nomes. Membros do conhecido coro: falem mal, mas falem de mim.

“A vida é toma lá, dá cá” – esta certamente é a regra número um do show buziness. Conquistar a almejada fama pode ser até fácil numa daquelas jogadas do acaso, mas difícil mesmo é mantê-las. E para isso são necessários vários recursos materiais e financeiros. A ponte deste processo era a carcereira Morton (Queen Latifah). Uma espécie de mama daquelas que com ela trocava favores na prisão. É, a fama tem seu preço de vários aspectos.

“Gostar da vida que leva” – por que se esforçar tanto e tanto em ser famoso? Quando levamos em consideração mais os contras do que os prós que a fama possa acarretar, a única resposta cabível neste caso seria o gostar da vida que leva e desejar mantê-la a todo custo. Correr atrás ou estar à frente de todos os acontecimentos oportunos com muito afinco. Aquela velha história de que nasci pra ser famosa e nada vai me impedir.

“O tango da lamúria” – certamente esta é a melhor sequencia do filme. Em sua primeira noite na prisão, Roxie (Zellweger), olha atentamente as gotas da torneira de uma pia cair e logo começa o show de beleza corporal das detentas na ala das assassinas. No número, uma a uma contam como cometeu o crime que as levou a este destino. Uma sequencia esplendorosa que rendeu ao musical de Marshall o Oscar de melhor filme. Um feito tão grandioso ao compararmos com as obras que concorreu naquele ano. A segunda sequencia de O senhor dos anéis – As duas torres, O pianista e As horas são apenas alguns exemplos das obras que valorizaram a vitória de um gênero dantes esquecido. Vencedor de 6 Oscar, incluindo a surpreendente vitória como melhor filme. Disso se faz uma obra de rara contemplação, bom entretenimento e excelência em espetáculo.

Personagens inesquecíveis: Gollum/Smeagol (Andy Serkins)

Filme: O Senhor dos Anéis: As duas torres e O retorno do Rei (2002/2003)

Quem não conhece o ser repugnante, que rasteja pelos cantos, maldizendo e assombrando os pequenos Hobbits que tem a missão de destruir seu amado "precioso", e mesmo assim é paradoxalmente cativante? Bom, se nunca viu ou ouviu falar é porque não bom da cabeça ou é doente da vista. O antológico Gollum, construído à base do talento inquestionável de Andy Serkins e efeitos CGI (Captura de movimentos) é um personagem ambíguo, que transita entre suas duas personalidades, que ama e odeia o Um Anel. É, com certeza a melhor criação do universo de J. R. R. Tolkien e quando transportado para as telonas só engrandeceu a atração inevitável que sua presença causa. Um marco do cinema tão grande quanto a trilogia da qual fez parte. Um a pena que Serkins não teve a chance de ao menos ser indicado ao Oscar por sua atuação, verdadeiramente excepcional. Mas não fiquem tristes, o personagem estará de volta em O Hobbit, em dezembro.

O Ditador (2012)

The dictador, 2012. Dirigido por Larry Charles. Com Sacha Baron Cohen, Anna Faris, Ben Kingsley, Megan Fox, John C. Reilly e Edward Norton.

 

Nota: 3.5

 

Quando um subgênero surge no cinema, as produtoras afoitas por sucesso econômico não se contêm em saturar o público, até que ele se canse, ou perca a maioria dos adeptos. Em 2006, Sacha Baron Cohen levou seu repórter fake Borat aos cinemas, estarreceu o público com as situações bizarras que "o segundo melhor repórter do glorioso país Cazaquistão" proporcionou em seu tour pela América, mas agradou a crítica com um novo braço da comédia, o falso documentário. Seis anos depois, e um malfadado longa no período, o repugnante Bruno (2009), Cohen deixou de lado o falso "doc", criando um filme que peca por gags inverossímeis e estúpidas, e apela a um romance sem graça.

Na trama, o ditador do fictício país Wadiya, no Oriente Médio, Aladeen (Sacha Baron Cohen) é odiado pelo povo e pelos seus conselheiros, inclusive seu tio e sucessor Tamir (Ben Kingsley). Quando vê seu plano de fabricar armas de destruição em massa ameaçado pela ONU, resolve viajar para Nova Iorque e discursar em uma assembleia para impor a soberania de seu país e firmar a ditadura. Porém, conspirações o colocam em apuros e, sozinho na cidade, precisará da ajuda da militante Zoey (Anna Faris) para retornar a tempo de evitar o fim de seu governo.

A caricatura criada por Cohen remete aos tiranos da região de origem de seu personagem, e tem o mérito de expor o lado patético e ridículo que constituem a personalidade de tais governantes, porém, com uma grande forçada de barra do ator. Entretanto, o seu roteiro não funciona como esperado, principalmente por perder o fator "surpresa" que deixava as pessoas que compunham as cenas desconcertadas, e garantiam mais graça às situações, pois todos riam do comportamento destas em relação ao comportamento dos personagens Borat e Bruno. A relação de Aladeen com Zoey não acrescenta nada, além de sequências de mau gosto promíscuo e discursos racistas e ofensivos.

As bobagens foram tantas e tão ininterruptas que mal se digere uma situação esdrúxula, e outra já toma espaço. A participação de Anna Faris chega a ser dispensável, já que a moça nem parece ser a mesma que consegue algumas gargalhadas em Todo mundo em pânico e A casa das coelhinhas, é absorvida pela centralização do texto em Aladeen. E Ben Kingsley deve ter recebido muito para aceitar um papel pequeno em um filmes desses. Pior, só as aparições de Megan Fox e Edward Norton como eles mesmos "fazendo programa", vergonhoso.

Só Cohen consegue dar raros momentos de graça genuína ao filme, e deixa claro que se tivesse sido bem trabalhado, seu personagem poderia ter rendido boas gargalhadas. Um filme que conseguirá satisfazer um público acostumado a bobagens estilo MTV, mas que, provavelmente, não escapará ao exorcismo se comparado a Borat. E pensar que Chaplin fez humor das idiotices de um tirano muito mais terrível que os de hoje no histórico O grande ditador (1940), e trouxe uma linda mensagem, sem palavrões e gags preconceituosas. Esse sim fazia comédia de verdade.

Personagens inesquecíveis: Holly Golightly (Audrey Hepburn)

Filme: Bonequinha de luxo (1961)

Apaixonante do início ao fim, assim pode-se resumir a aparição nas telonas de Hepburn como Holly Glightly no clássico adaptado do best-seller de Truman Capote. Se não é sua melhor atuação, é com certeza a mais inesquecível, pois conseguiu dar vida com veracidade incrível, parecendo que era a inspiração de Capote, não o contrário. O jeito de princesa, caiu bem para compor a personagem que vivia sendo "cultivada" por vários homens, simplesmente para manter seu grande sonho de um dia se tornar uma atriz famosa. Ao lado de George Peppard, conduziu cenas hilária e emocionantes. Um libelo de personagem, que segue sendo inspiração na confecção de obras na TV e também no cinema, além de ser um símbolo de estilo invejado na época. Rendeu uma indicação ao Oscar para Hepburn, e reside no imaginário coletivo dos cinéfilos por gerações.

A condenação (2010)

Conviction, 2010. Dirigido por Tony Goldwyn. Com Hillary Swank, Sam Rockwell, Melissa Leo, Peter Gallagher e Julliet Lewis.

Nota: 6.5
 

Hillary Swank e Sam Rockwell formam uma dupla (quase) imbatível num filme que tinha tudo para ser algo fantástico, mas que acaba escambando para o fantasioso
 

Adaptar uma história real para o cinema não é a mais fácil das tarefas. O cinema biográfico como dizem, é constituído de pesquisas, avaliações, levantamento de dados e outros argumentos que possa por em validade questões pertinentes do personagem ou persona em voga. É uma tarefa difícil, que passa a ser recompensadora quando a obra vira algo apreciável. E o mais fundamental, quando a obra passa veracidade, palavra chave para falar de acontecimentos reais.
 

Quando o ator Tony Goldwyn (o Carl de Ghost) resolveu se aventurar como produtor ele se tornou escravo de sua escolha, brilhante por sinal. Levar às telas a fantástica história de uma dona-de-casa que de repente abandona tudo, incluindo marido e filhos, para se dedicar a livrar o irmão da prisão, num belo enredo de amor incondicional ao sangue de seu sangue. Além do enredo, Tony também foi feliz na escolha do elenco. A talentosa Hillary Swank assumiu o posto tanto de produtora executiva quanto a de protagonista como Betty Anne Waters, que depois de anos cozinhando e cuidando de casa, decide retornar aos estudos para salvar o irmão de uma injusta condenação.
 

 

O oprimido em questão é Kenny Waters, vivido pelo excelente Sam Rockwell. Um típico bom vivant interiorano, modelo dos rapazes de cidade pequena que coleciona tanto amantes quanto confusão a cada barzinho de esquina. Quando aparece um corpo de uma mulher brutalmente assassinada, não é muito difícil para as autoridades locais eleger e condenar seu único suspeito. Kenny passa anos na prisão e sua atitude rebelde apavora a irmã, que resolve agir antes que seja tarde mesmo que nesse processo perca o marido e os filhos. A luta é incessante. Intrigas familiares, vinganças pessoais e corrupção policial enredam a trama até a libertação final de Kenny.
 

Além de Hilary e Rockwell, a ganhadora do Oscar Melissa Leo tem mais uma atuação segura como Nancy Taylor, a delegada corrupta responsável pela condenação injusta do rapaz. Cléa Duvall, a esposa traída, Peter Gallagher, o advogado famoso esteio de Betty compõe o elenco de feras. Feras estas que se sentiram enjauladas num roteiro claustrofóbico que aponta para cenas superficiais e surreais. À medida que Betty vai se aproximando de seu objetivo, tudo decai para o lugar-comum, sem ritmo e emoção. O clímax de cada descoberta que levaria a inocentar o irmão se esvai a acontecimentos inverossímeis dentro do contexto de um bom enredo cinematográfico. E termina da forma esperada. Com uma simples sentença proferida pela juíza. E só. É como se tudo literalmente “caísse do céu” para este momento. Frio por sinal. Não há o elo, a liga homogênea de roteiro necessário entre uma cena e outra da trama.
 

Embora tenha sido baseado numa história real fica difícil crer nesta premissa ao assistir ao filme. O elenco é afinado e visivelmente prejudicado pelo roteiro e assim todos terminam caricatos, ou seja, falam sem nada dizer. De real mesmo somente a atuação assombrosa em todos os sentidos da excepcional Juliet Lewis, que em pouco mais de 7 minutos dá um show de interpretação na caracterização e no desempenho como a repugnante Roseane, uma ex-amante de Kenny que ajudou a colocá-lo na prisão. A atriz é uma das poucas coisas que fogem do contexto de falsa realidade. Em suma, o filme de Goldwyn é um erro de estruturação que condena justamente uma história fantástica, transformando-a em algo fantasioso, que tinha tudo para ser emocionante, libertador, mas que cai numa cela de emoções esquecíveis.

 

Personagens inesquecíveis: Jerry/Daphne (Jack Lemmon)

Filme: Quanto mais quente melhor (1959)

Muitos críticos mundo afora indicam esta deliciosa comédia de Billy Wilder como a melhor de todos os tempos. Apontar assim é complicado, pois gosto é gosto. Mas, o que é um fato para quem assistiu o longa, é que a atuação de Jack Lemmon é extraordinária. Interpretando Jerry (Daphne), consegue ficar em um limite aceitável da escatologia, pois seu hiperbolismo não fere a intenção de Wilder. O personagem conseguiu ofuscar a aparição de Tony Curtis como seu parceiro travestido Joe, e consegui não ser diminuído pelo furacão Marilyn Monroe, como Sugar Kane. Pelo papel o ator foi indicado Oscar de melhor ator. Pena não ter vencido. Vale a pena conferir.

O vingador do futuro (2012)

Total recall, 2012. Dirigido por Len Wiseman. Com Colin Farell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bryan Cranston e Bill Nighy.

Nota: 7.1

Colocar em prática a idéia de adaptar um cult movie de um dos gêneros que obtêm os fiéis seguidores mais exigentes como é a ficção científica era uma tarefa deveras arriscada. Caso não seja um reboot (releitura), como foi os últimos filmes do Batman e do Homem-aranha, corre o grave risco de não passar pela malha fina da crítica. Porém, o diretor Len Wiseman consegue dar um pouco de vida ao longa, usando a mística do desconexo de tempo e espaço consagrado no filme de Paul Verhooven, incorporando elementos do cinema contemporâneo como a montagem frenética e efeitos visuais de primeira classe.

A história se passa em um mundo dividido em duas comunidades que ainda habitam na terra após uma catástrofe biológica, a Federação Unida da Bretanha (basicamente a Europa) e a Colônia (a Oceania), ligadas pela “queda”, um túnel com elevador gigantesco que as une. Doug Quaid (Colin Farrel) é morador da Colônia e assim como todos por lá. Vive atormentado por sonhos estranhos com uma bela jovem morena, mas acorda ao lado de outra bela mulher, Lori (Kate Beckinsale). Quando conhece o programa da empresa Rekall, que promete implantar novas lembranças em sua memória. Mas algo sai errado, e ele se vê como um inimigo do Chanceler Cohaagen (Bryan Cranston) que pretende eliminá-lo juntamente com os rebeldes da Colônia.

O arcabouço da trama é praticamente a mesma do filme de 1990, entretanto a narrativa foi transferida para um futuro mais influenciado pelos grandes avanços tecnológicos, além das ações de conflito social, deslocados do eixo Terra-Marte, somente para o nosso planeta. Isso fez com que o roteiro de Mark Bomback e Kurt Wimmer ganhasse em agilidade, facilitando a tarefa de cair no gosto do público jovem. A forma em que foi incorporado ao elemento central uma idéia, mesmo que rasteira, da segregação social controlando o mundo foi uma boa sacada, afastando mais ainda da primeira versão.

O trabalho de Wiseman é tão barulhento e corrido quanto o irregular Anjos da noite 4, no qual abusou de tiros e bombardeios, artífices áudio visuais que incomodavam. Mas no caso deste O vingador do futuro, tudo o que estava presente era para ser usado, ainda pela qualidade inegável dos efeitos digitais. Porém este foi o veneno do diretor. No momento em que poderia tornar esta produção marcante, optou por levar a correria frenética até o último suspiro, deixando o desfecho batido, sem um encerramento que contentasse àqueles que não se satisfizeram com o apagar das luzes do filme de Verhoeven.

Aquele tom gótico e obscuro, com seres bizarros que tornaram o filme original um grande fenômeno não conseguiu ser substituído à altura pelo frenesi tecnológico. Outro fator que deixa a desejar é a escolha dos atores, já que Farrel é inexpressivo, tanto quanto Arnold Schwarzenegger, porém não possui o carisma que alçou o segundo ao estrelato. Jessica Biel e Kate Beckinsale estão muito presas nos elementos estereotipados que caracterizavam a mocinha e a vilã, sem esforço nenhum por parte de ambas. Bill Nighy quase não é percebido e Bryan Cranston está preso a um personagem hiperbólico.

Contudo, esse novo O vingador do futuro não é nenhuma bomba, e pode agradar ao público, principalmente quem não teve a oportunidade de assistir ao primeiro. Mas esse “recall” da obra imortal de Philip K. Dick poderia ter sido mais bem planejado. Talvez, o problema até seja a grande pretensão dos produtores, mas o determinante para que este exemplar caia na categoria passatempo descartável é o excelente trabalho de Verhoeven em 1990. Isso é fato.

Cinema e esporte

Diversão, entretenimento com cultura. Estes são os grandes elos que unem um e o outro. Afinal, quem é que não gosta de ir ao estádio ou a um ginásio torcer de coração por seu time favorito? A mesma coisa observar nos cinéfilos. Aqueles que fazem filas quilométricas para saciar sua sede por seu aguardado filme em exibição. Esporte e cinema tem dessas coisas. Coisas que ajudam a conduzir a sensibilidade humana, fazendo-a enxergar as mais variadas formas de interagir com todos os povos. Não é preciso ir muito longe para viajar pelos países nos gramados, quadras, pistas, piscinas e telas de cinema. Por isso, apresento aqui algumas formas interessantes de unir dois dos maiores espetáculos de entretenimento do planeta.

GÊNIO INDOMÁVEL: o filme que revelou outro lado dos galãs Ben Affleck e Matt Damon como roteiristas, fala do quanto é difícil se encontrar na juventude, mesmo com um talento extraordinário para alcançar seus objetivos. O roteiro, vencedor do Oscar, poderia ser baseado na vida do fantástico nadador Michael Phelps, que detém recordes impressionantes em sua brilhante carreira, mas que de vez em quando afunda na sua vida pessoal com atitudes não condizentes de sua posição como ídolo mundial.

SUPERMAN: ele não usa capa como o ilustre visitante de Krypton, mas parece voar na pista. Sua super força física e sua super velocidade, transformam o jamaicano Usain Bolt em um super-homem na mais concepção da palavra. Há até quem acredite que ele nem seja deste planeta. Será que Clark Kent não é o único? O carisma do maior herói dos quadrinhos americanos é algo também em comum que sustenta a fama deste simpático atleta que arrebata muitos admiradores em todo o mundo.

UM OLHAR DO PARAÍSO: olhar as coisas mundanas do alto de um firmamento subjetivo depois da morte fez a jovem Susie Salmom repensar o sentido de vingança pela sua fatalidade. Bem, vingança aqui só se for contra seus oponentes e dentro do espírito esportivo. As apresentações mágicas da bela saltadora russa Yelena Yshinbayeva são um dos momentos capitais do esporte. A moça salta tão alto que para ela, é possível vislumbrar de seu paraíso olímpico os pobres mortais que não se cansam de se assombrar com suas performances.

O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA: “Venham um, venham todos...” todos os povos do mundo para acompanhar em Paz e alegria o maior espetáculo da Terra. O filme de Cecil B. De Mille contava as peripécias das mais populares estrelas circenses que encantavam multidões. Então o que dizer dos americanos, o número 1 do Basquete? Lebron James e Cia não deixam por menos e arrasam em cada partida, ou melhor, em cada espetáculo de jogadas tão impressionantes que se assemelham tranquilamente a um verdadeiro show de malabarismos na terra ou no ar.

BELEZA AMERICANA: a ninfeta vivida por Mena Suvari no brilhante filme de Sam Mendes pode não ser a protagonista do título, mas com certeza é a figura mais marcante. Marcante também é a presença da belíssima goleira da seleção americana de futebol feminino Hope Solo. A morena ajuda a abrilhantar os gramados com o talento futebolístico nato e claro, uma beleza que por si só já a atenção de muitos espectadores para a modalidade.

MENINA DE OURO: mesmo não sendo detentora da medalha dourada, a brasileira Marta, a melhor do mundo, e suas companheiras já são campeãs. Esforço, persistência, dedicação, paixão. Elementos que ajudam a formar verdadeiros campeões como a boxeadora Maggie Fitzgerald, a menina de ouro do aclamado filme de Clint Eastwood, que assim como Marta não teve sua chance de conquistar o topo.

UMA MENTE BRILHANTE: o premiado filme de Ron Howard que contou a história real da brilhante trajetória do matemático John Nash e seu imenso desafio em superar uma esquizofrenia tornou seu personagem central um mito, um herói, um homem admirável. Bernardinho, o homem por detrás das conquistas de nosso vôlei, se encaixa perfeitamente nestas nomenclaturas quando detém três finais olímpicas da modalidade. Uma história de vitórias que parece mesmo cinematográfica. 

CORAÇÃO VALENTE: o mito irlandês Wiliam Wallace que liderou o exército de camponeses de seu país contra a tirania da Monarquia britânica fez do filme de Mel Gibson um espetáculo inspirador. Uma guerra entre David e Golias e como na história bíblica, o menino venceu o gigante. Assim são os atletas brasileiros que usam além do talento extraordinário e uma força de vontade descomunal para conquistar seu momento glorioso. O coração valente que inspira e alimenta seus sonhos. Vendo a realidade de nossos atletas, parece até mais fácil libertar um povo da dominação estrangeira.

À beira do caminho (2012)

A beira do caminho, 2012. Dirigido por Breno Silveira. Com João Miguel, Vinivius Nascimento, Dira Paes e Denise Weinberg.

Nota: 7.9

Quando parecia que o cinema nacional tinha apresentado suas melhores obras, com os sucessos de público Heleno e Xingu, e também com o perturbador Febre do rato, eis que um despretensioso road movie surge de uma releitura inspirada de algumas canções do "rei" Roberto Carlos. À Beira do Caminho é um filme que, por mais óbvio que pareça e aconteça, consegue ir fundo no estudo das relações fraternais e no comportamento humano ante seus próprios demônios.
O longa acompanha o caminhoneiro João (João Miguel) pelas mais diversas paisagens das estradas do sertão e agreste nordestino. Ora entre a poeira e a vegetação escassa, ora cercado pelas verdejantes matas agrestinas. Traumatizado com acontecimentos do passado, ele vaga sem destino concreto, se martirizando e sofrendo com algo que não pode ser mudado. Mas quando seu caminho se enlaça com o do órfão Duda (Vinícius Nascimento), que pretende ir a São Paulo em busca do pai, ambos descobrirão que são importantes um para o outro, mais do que imaginavam.
A história que nasceu de um argumento de Léa Penteado, que já trabalhou com o cantor Roberto Carlos, tem como cartão de visitas a dureza da vida de caminhoneiro, das refeições em espeluncas à beira da estrada, as roupas lavadas a sabão bravo no rio, e a companhia da cachaça bebida no gargalo. A personalidade reclusa, carregada de autopiedade exagerada de João se interpondo com a determinação e perspicácia do menino Duda, permitem uma leitura livre de pieguices, das quais filmes do gênero geralmente pendem.
Mas tudo só funciona da maneira esperada quando o trabalho do diretor Breno Silveira entra em ação. Na mesma sensibilidade em que conduziu 2 filhos de Francisco, ele conseguiu pontuar, com canções de Roberto Carlos e frases de pára-choques, cada momento em que se encontrava o espírito de João. Intimista, buscava a todo o momento a melhor expressão dos atores, as alegrias, as tristezas e frustrações. Arranca sorrisos do público com tanta facilidade quanto os leva às lágrimas. Trevas e luz, o curso da vida na forma do tortuoso caminho e a solução de todos os problemas à beira, sugerindo a felicidade da escolha do título.
João Miguel é o mais camaleônico dos atores do cinema nacional, e provou isto dando vida a um personagem soturno, fracassado e sofredor. Entregue à melancolia e ao flagelo de não se perdoar por erros do passado, e fez deste seu melhor trabalho. Seu companheiro de cena, o pequeno Vinicius, mostra segurança e consegue transmitir o otimismo e equilíbrio de Duda. Até as participações pequenas de Dira Paes e Denise Weinberg são competentes.
Tudo bem que o filme seja óbvio demais, e que seu enredo passe por outras produções nacionais que se fazem por viagens de engrandecimento e autoconhecimento, como Central do Brasil e Caminho das Nuvens. Mas as canções de Roberto Carlos conduzindo a sorte dos personagens traz algo a mais ao longa de Silveira, e mesmo que todo mundo saiba o que esperar, a comoção da relação do homem com o menino é inexplicavelmente inevitável. Uma bela surpresa para o cada vez melhor cinema tupiniquim, e uma involuntária (ou não) homenagem ao Dia dos Pais.

Os dez melhores faroestes de todos os tempos

Depois de uma análise dos melhores filmes de western, conhecido em terras tupiniquins como faroestes, o Cineposforrest chegou à sua lista de dez melhores de todos os tempos. Só para constar, trata-se de uma opinião, qualquer discordância pode ser expressada no espaço dos comentários. Eis a lista.

1º - Rastros de ódio (1956)

The searchers, 1956. Dirigido por John Ford. Com John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Ward Bond, Dorothy Jordan, Henry Brandon e Natalie Wood.

Nota: 10

Uma busca incessante em meio a paisagens áridas por vingança. Resumindo assim nem parece que John Ford criou o mais poderoso e hipnótico filme do gênero, porém o longa vai mais além e discute de forma soberba os limites do racismo e a relação de um homem com seus instintos. Com um inspirado Wayne, seu personagem é tão forte quanto seu desejo de assassinar os índios que raptaram sua sobrinha. Um primor absoluto e imperdível.

2º - Era uma vez no oeste (1968)

C’erauna volta il West, 1968. Dirigido por Sergio Leoni. Com Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards, Charles Bronson, Paolo Stoppa e Jack Elam.

Nota: 9.7

Quando o gênero começou a declinar em Hollywood no fim da década de 50, uma sobre –vida lhe foi dada em um lugar pouco provável, a Europa. Lá ganhou a alcunha de western spaghethi e teve Sergio Leoni seu principal mestre. Conduzindo a brutalidade em meio ao lirismo de suas tomadas, criou homens maus de verdade em meio a pessoas defendem seus interesses. Uma obra de arte atemporal, de contexto político e intimista como de costume em sua cinematografia. Genial.

3º - No tempo das diligências (1938)

Stagecoach, 1938. Dirigido por John Ford. Com John Wayne, Claire Trevor, Andy Devine, John Carradine, Thomas Mitchell, Louise Platt e Tom Tyler.

Nota: 9.5

A década de 30 não havia rendido boas (ou rentáveis) obras do gênero, que acabou sendo relegado a produtoras de baixo orçamento e capacidade. Sua a benção do lendário David O. Selznick, o não menos inesquecível John Ford regeu o grande cowboy John Wayne no mais clássico dos westerns .  As ações se passam em uma diligência que atravessam um território indígena, e Ford abre espaço para que muitos atores brilhem em papéis fortes. Nem precisa dizer mais nada.

4º - Os imperdoáveis (1992)

Unforgiven, 1992. Dirigido por Clint Eastwood. Com Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Saul Rubinek, Anna Levine e Rob Campbell.

Nota: 9.4

O último western de Clint Eastwood é uma obra completa. Tem ação, drama, um estética cinematográfica impecável e atuações extraordinária. Venceu quatro dos nove Oscar de disputou, incluindo melhor filme, e traz a história de ex-pistoleiro que terá de voltar à ativa para vingar a morte de seu amigo. Eastwood faz uma sátira a ele mesmo, voltando aos cinemas para dar um último, e brilhante, suspiro.

5º - Onde Começa o inferno (1959)

Rio Bravo, 1959. Dirigido por Howard Hawks. Com John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan e Ward Bond.

Nota: 9.3

Trabalhando com clichês básicos do gênero, Howard Hawks fez uma obra excelente. John T. Clance (o bonachão supremo John Wayne) terá que resistir às investidas de pistoleiros que pretendem libertar um encrenqueiro irmão do chefão do bando. Para isso terá que ajudar seu amigo bebum (Dean Martin) a se recuperar para poder ter sua ajuda, ainda contar com o auxílio de um jovem e impetuoso forasteiro (Ricky Nelson) e  manter o romance com a viajante misteriosa (a voluptuosa Andie Dickinson). Tudo permeado pelo humor rabugento do Stumpy (Walter Brennan). Um dueto entre Martin e Nelson engrandecem ainda mais a obra.

6º - Meu ódio será tua herança (1969)

The wild bunch, 1969. Dirigido por Sam Peckinpah. Com Willian Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O’Brien, Warren Oates, Jaime Sanchéz, Bem Johnson e Emilio Fernandéz.

Nota: 9.2

Quando muitos achavam que o western estava morto no território americano, principalmente quando o italiano Sergio Leone sacramentou o “spaghetti” em território europeu, eis que surge Sam Peckinpah e mostrou que a nação que fundou o gênero possuía condições de retomá-lo e ainda criar uma de suas obras mais emblemáticas. Um agitada perseguição de um grupo de mercenários liderados por Deke Thorton (Robert Ryan) pelo cruel bando de Pike Bishop (Willian Holden). Um filme violento, mas de um lirismo raríssimo.

7º - Os brutos também amam (1953)

Shane, 1953. Dirigido por George Stevens. Com Alan Ladd, Jean Arthur, Van Heflin, Brandon De Wilde, Jack Palance e Ben Johnson.

Nota: 9.2

Primeira parte da “trilogia” de George Stevens sobre a formação dos Estados Unidos, mostra o pistoleiro Shane (Alan Ladd), recém-chegado a uma cidade, ajudando os pequenos fazendeiros a lutar contra um latifundiário. No meio de tudo isso, conquista a ternura de uma mulher e a admiração de um garoto. Um filme cheio de alegorias e um exemplar tocante sobre o bem e o mal. Shane é o padrão dos solitários heroicos comuns ao gênero. Imperdível.

8º - O homem que matou o facínora (1962)

The man who shot liberty valence, 1962. Dirigido por John Ford. Com John Wayne, James Stewart, Vera Miles, Lee Marvin, Edmond O’Brien, Andy Devine, John Carradine e John Qualen Willis.

Nota: 9.0

Último western feito pelo mestre do gênero John Ford, merece o lugar na lista. O advogado Ramson (James Stewart) chega a uma pequena cidade para transformá-la em um lugar digno. Mas os poderosos do local contratam um pistoleiro para mata-lo, e ele enfretará o perigo com a ajuda de um outro pistoleiro (John Wayne). Elenco formidável, porém quem rouba a cena é Lee Marvin, que se consolidou como o homem mau do cinema. Obra de arte.

9º - Três homens em conflito (1966)

Il buono, il bruto, il cativo, 1966. Dirigido por Sergio Leoni. Com Clin Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffré e Luigi Pistilli.

Nota: 9.0

Última parte de uma trilogia de Leoni com Eastwood, traz três bandoleiros em um jogo de parceria e trairagem para se apossar de milhares de dólares. Ritmo e narrativa se complementam e as ações englobam o que tem de melhor no chamado western spaghetti. Um filme inesquecível que termina com uma sequência antológica da ponte e do cemitério. Eastwood e Van Cleef ficam na média, porém Wallach (o feio), dá um show à parte. Imperdível.

10º - Bravura indômita (2010)

True grit, 2010. Dirigido por Joel coen e Ethan Coen. Com Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steifield e Josh Brolin.

Nota: 8.9

Sem um exemplar digno de nota desde Os Imperdoáveis, os Irmãos Coen revitalizaram o gênero com o remake do filme que deu o Oscar a John Wayne. O bebum caolhoRooster Cogburn (Bridges) é contratado por uma menina (hailee Steifield) para seguir a trilha de um bandido (Josh Brolin) e vingar a morte de seu pai. Elenco impecável, destraque para Bridges e Steifield, ambos indicados ao Oscar. Com um humor negro presente em toda a obra dos Coen, o filme é um feliz libelo nesta época onde o cinema esqueceu que o gênero ainda pode render bons frutos.

A Ultima Estação (2010)

The last station, 2010. Dirigido por Michael Hoffman. Com James McAvoy, Helen Mirren, Christopher Plummer, Paul Giamatti, Kerry Condon e Marie-Ann Duff.

Nota: 7.7

Sempre é bom acompanhar uma cinebiografia, é a oportunidade de conhecer a vida de uma personalidade e descobrir coisas que não sabemos. Mas em alguns casos o filme se atém a algum trecho da vida do biografado, o que não perde a mágica, desde que seja interessante. Foi pensando assim é que Michael Hoffman levou ao cinema o momento derradeiro da vida de Lev Tolstoi, o autor de obras-primas da literatura como Guerra e paz e Anna Karenina, que repensa a ideologia que promulgou e influenciou toda uma geração.

A trama é simples. O jovem Valentin (James McAvoy) viaja até o retiro em que se reúnem os tolstoianos mais fervorosos a fim de viver sob seus conceitos. É mandado para a residência do próprio Lev Tolstoi (Christopher Plummer) para ser seu secretário pessoal, e aprender mais de sua doutrina. Porém, quando percebe que a relação de seu mentor com a esposa Sofya (Helen Mirren) não é das melhores por questões de herança e política, combinado a sua paixão por uma das seguidoras Masha (...), começa a reconsiderar o verdadeiro espírito da ideologia.

Hoffman constrói um questionário cinematográfico que coloca em xeque o fundamento maior do pensamento tolstoiano, dito pelo próprio escritor em uma cena, o amor. A transformação do movimento em arma política pelas mãos de Chertkov (Paul Giamatti) vai de encontro a tudo que Valentin acreditava. A opção do líder partidário em convencer Tolstoi a tirar da esposa os direitos da família em possuir propriedade das obras após sua morte são questionadas pelo jovem, assim como a castidade imposta pela teoria que o impede de amar Masha. Seu contato com o mestre vai revelando a ele qual caminho deveria tomar, e se vê em uma encruzilhada moral.

Não há uma intenção de o diretor tornar o escritor um descrente de seus próprios ensinamentos, mas deixa uma intersecção no limiar de sua vida, será que tudo o que disse deveria mesmo ser tomado como um axioma? De forma sensível, Hoffman envolve os dois casais do longa em uma correlação de atitudes, sendo que Tolstoi sente a amargura de se considerar um traidor de sua teoria, e Valentin luta para não cometer o mesmo erro dele.

Se não tivesse se apegado demais a sentimentalismo e ter conduzido o filme de forma mais segura e racional, mesmo se tratando de um romance, Hoffman teria triunfado. Mesmo assim, não pode deixar de considerar a ousadia de levar ao questionamento popular este paradoxo de consciência de uma figura tão lúcida e emblemática como Lev Tolstoi. Isso, mais as atuações tocantes do quarteto central, principalmente Mirren e Plummer, já valem o ingresso, ou dinheiro do aluguel do disco.

O que esperar quando você está esperando (2012)

What to Expect When You're Expecting, 2012. Dirigido por Kirk Jones. Com Rodrigo Santoro, Jennifer Lopez, Elizabeth Banks, Cameron Diaz, Brooklyn Decker, Dennis Quaid, Chris Rock, Anna Kendrick, Chance Crawford e Matthew Morrison.

Nota: 6.7

Estão mesmo em alta no cinema atual as adaptações literárias. É só parar e ver a quantidade delas que estreiam todas as semanas em salas de todo o mundo, e depois de quadrinhos e obras consagradas, chegou a vez dos livros de autoajuda ganharem sua chance. Com O que esperar quando você está esperando, baseado no best-seller homônimo de Heidi Murkoff , Kirk Jones entrega aos grávidos de plantão um filme com uma mescla de comédia, drama e romance, mas que sofre por não saber distribuir bem os gêneros envolvidos e também a importância dos personagens.

A história gira em torno de cinco dos problemas mais comuns que envolvem a gravidez. Holly (Jennifer Lopez) e Alex (Rodrigo Santoro), que resolvem adotar uma criança; Wendy (Elizabeth Banks) descobre que seu sonho de ser mãe não é tão fácil assim; Jules (Cameron Diaz) é uma apresentadora de um programa de TV e entra em pânico com a situação ao lado do marido; Skyler (Brooklyn Decker) é muito mais nova que o marido Ramsey (Dennis Quaid) e verá nisso um problema; e Rosie (Anna Kendrick) que, na primeira transa, se descobre grávida.

O roteiro tenta trazer ao público a essência insegura e acadêmica do livro na já famosa fórmula episódica de pipoca vez ou outra nas telonas, desde Short Cuts, de Robert Altman. Cada fragmento engloba um ato das intempéries que os personagens enfrentam e que, em determinado momento, se correlaciona. O tom de comédia toma maior parte das ações do filme, sendo que nos episódios onde ela é predominante, o texto fica prejudicado pela escatologia estereotipada e repleta de clichês, como o clube onde os homens se encontram para troca de experiências.

Quando há tensões maiores envolvidas e dilemas morais são anexados aos personagens, o filme tem seus melhores momentos. As dúvidas de Alex para com a decisão da esposa, da qual ele compartilhou a ideia de adotar um filho, se alternam em tiradas de humor fino e um sofrimento frágil, porém sincero. Também é muito interessante o envolvimento e a aprendizagem que se criam entre os jovens Rosie e Marco (Chace Crawford), que veem a relação se enriquecer com a descoberta da gravidez acidental da moça.

Jones mostra que mantém certa ingenuidade e fragilidade na condução do longa, que exigia maior preocupação com a transição dos capítulos. A falta de elementos que tornassem os atos protagonizados por Diaz, Banks e Decker mais interessantes poderiam ter suprimido os excessos de bobagens manjadas que foram inseridos. Além de praticamente anular o trabalho das atrizes, reduziu seus companheiros a elenco de apoio de luxo. Talvez tenha sido uma escolha errada para um projeto tão delicado.

Depois de receber várias críticas sobre seus trabalhos no exterior, Rodrigo Santoro mostra que pode, e merece, melhores personagens em Hollywood. Ele mantém uma segurança característica em trabalhos recentes, além de uma grande versatilidade, o permite transitar entre o humor e o drama. Já a âncora feminina é Anna Kendrick. A jovem e talentosa atriz mostra que não é por acaso a indicação ao Oscar presente em seu currículo (coadjuvante em Amor sem escalas). Não dá espaços para Diaz e Lopez brilharem e rouba a cena com seu florescimento maternal ao lado do futuro pai de seu filho.

Acaba que O que esperar quando você está esperando não é um filme ruim, mas não faz jus ao livro de grande importância que se tornou. Porém, se salva como um passatempo pueril. E se quem for o assistir estiver na mesma situação de algum dos personagens, terá grande chance de fazer sucesso.

Assim é Marilyn Monroe

E lá se vão 50 anos sem o brilho imenso e intenso de uma estrela jamais vista na história. Seu nome atravessa as fronteiras do entretenimento e ecoa ainda hoje como um marco histórico, um mito incomparável.

Os homens preferem as loiras: foi em Los Angeles, a capital das estrelas que nasceu Norma Jean Baker Mortenson em 1 de Setembro de 1926. Filha de mãe solteira e um pai que nunca viu, sempre sonhou em ter seu nome gravado na calçada da fama por onde pisava. Aos 16 anos, a morena Norma já sabia o que queria quando seu primeiro marido foi servir na Segunda Guerra Mundial. As portas lhe foram abertas pelo agente Jhonny Hyde que a escalou para pequenos papéis. Quando o marido retornou da Guerra, ela se divorciou, querendo exclusividade em sua ascendente careira artística que ia de vento em poupa quando recebeu instruções do chefão da Fox para mudar de nome e de visual. A morena Norma dava lugar à loira Marilyn Monroe, uma fusão dos nomes de Marilyn Miller e James Monroe. Para seus agentes, este nome seria mais atraente nas marquises.

Só a mulher peca: apontada por 11 em cada 10 pessoas como o maior símbolo sexual da história, nem sempre a fama atribuída foi tranquila. Sua arte de escandalizar o público parecia tão intacta quando a moral e os bons costumes que desafiou numa época onde a repressão feminina se estabelecia com frequência. Foi ela que tornou evidente o poder da mulher no cinema e fora dele com novas projeções sociais e comportamentais.

Quanto mais quente melhor: logo a imagem única de uma mulher sedutora e fatal, mas que ao mesmo tempo conseguia ser ingênua e quase infantil a tomou um sexy simbol de forte atração física e social. A sensualidade da loira era diferente de todas as outras estrelas, pois não provinha apenas de caras e bocas e estilos inconfundíveis de vestuário. Era única, especial por possuir um atributo até então fora dos padrões. Um brilho sem igual e um carisma propenso a faturar com os sucessos cinematográficos. O imaginário masculino dava pinotes de êxtase toda vez que a loira iluminava as telas com sua marca inconfundível.

Torrentes de paixão: a consagração como a loira mais sensual do cinema desencadeou um turbilhão de fãs pra lá de fanáticos. Tanto que durante as filmagens de O pecado mora ao lado, um de seus filmes de maior sucesso, uma multidão parou as ruas para ver a gravação de uma das cenas mais famosas do cinema. O fenômeno estava consolidado.

Como agarrar um milionário: foi justamente nesta época que resolveu se casar pela segunda vez com um popular ex-jogador de Beisebol tornando-se a primeira dama do esporte americano. O casamento durou menos de 1 ano graças ao ciúme exacerbado do seu príncipe dos home runs que não conseguia digerir o fato da esposa ser maior do que ele ou a paixão nacional de seu país.

O pecado mora ao lado: depois desta desilusão, mais um casamento e um divórcio conturbado com o teatrólogo Arthur Miller. Tudo por conta de seu mais novo affaire por um colega de trabalho. A atriz se apaixonou pelo ator Yves Montand e se desapontou ferozmente quando este voltou para a esposa. Este conflito pessoal teria desencadeado uma fase negra em sua carreira. Mal conseguia terminar as filmagens. Insegura quanto a sua vocação, viu o estúdio comprometido com sua falta de profissionalismo, lhe dar o bilhete azul.

Minha adorável pecadora: insegura e carente, ela viveu sua pior fase quando se envolveu com paixões proibidas pelos irmãos Kenedy. Figuras públicas, homens casados e pais de família, os então senadores jamais deixaria a vida política se esvair diante de um escândalo. Neste momento, a atriz só pensava em casar e ter filhos. Algo impossível nesta conjuntura. Sem ter uma noção exata de seu prestígio junto ao público, ela se deixou abater.

A Malvada: vencida pelas mazelas de uma fama astronômica, que na maioria das vezes privilegia o lado profissional e deixa uma lacuna na vida pessoal, ela foi vencida pela overdose de remédios que consumia para dormir. Em 5 de Agosto de 1962 sua estrela que tanto lutou para ascender, deixou este mundo real para viver eternamente no firmamento do imaginário dos fãs. Sua morte ainda hoje gera controvérsias em relação a algumas perguntas sem respostas quando foi encontrada nua em sua cama com a mãe ao telefone. Uma malvada realidade da vida de quem viveu absolutamente o bônus do esplendor da fama e o ônus de uma crise pessoal muito íntima. Assim foi Norma Jean Baker, uma mulher comum que almejava a fama. Assim é Marilyn Monroe, uma mulher única entre muitas estrelas.